ダンスを教えるということ③ コンクールについて

前回までを書きながら、私の中で大きく残っているのは
ダンスがうまいとは何か、よいとは何か？という疑問である。
現代舞踊展もそうなのだけれど、世の中には本当に多くの作品の発表の仕方がある。これはいいけれど、これはだめという基準はどこにあるのだろうと長いこと考えている。

私はたまたま２種類のコンクールを経験してきた。
ものすごく特殊な世界だと今でも思っている。
これらのおかげで、現在の活動ができているというのも一理あり、何ともいいがたい。が、ここにこだわると見えなくなることも多い。
あえて、それをふまえ、今回はその２種類について解説をつけたい。
おそらくコンテンポラリーダンスの人でも知らない人も多くいるに違いないだろうからだ。

①All Japan Dance festival in Kobe
http://www.ajdf.jp/
毎年夏に神戸で行われる高校大学のダンスのフェスティバル。コンクール部門と参加部門があり、ダンスの甲子園ともいわれるようになる。特徴的なのは予選も現地で開かれるため、本当にものすごい数のダンサーが全国各地から集まってくる。（それだけでもすごい経済効果だと思う）
第１回のころにコンドルズがであった話し（当時珍しかった男性は楽屋が一つしかなく、学校を超えた交流が始まったのだという）をきいたことがある。ちなみに私が現役の学生として参加していたのは８回（阪神大震災の影響で東京で開かれた会）１０回。その後高校生の指導者というかたちで何回か神戸に通うかたちになった。
高校生は４分半、大学生は６分半という短い時間で３０人近くのダンサーが踊る。（規定では５人以上３０人未満）えらい迫力だ。しかも当時は外（近くの公園など）で練習したりしていて、それもすごい光景。（その後熱中症などの問題や周辺への迷惑を考慮して禁止されたらしい）
この会が始まった頃にはここまで大きな規模になるとは考えていなかったに違いない。
特に高校生の部門についてはどんどん熱気を増しており、卒業生の進路（推薦入試・AO入試）などに関わってくることもあり、かなり指導者の力は入っている。（そういう意味でも甲子園的だと思う）およそ半年（学校によっては１年）がかりでここで発表する作品をつくっていく。
大学の先輩が「これは宗教だよね」といったくらい。
まだヨーロッパに行く前のこと、某振付家さんに「でもこれだけの会なのに、そこから振付家がでないのはなぜ？」ときかれたことがある。（一応私振付家なのだけれどな、と思った記憶がある）当時の感じだと大学時代に燃焼しきって、卒業したら普通に就職するという人が多かったようだが、現在は大学卒業後そのままダンスを続ける人が増えつつある。海外に出て行く、あるいはアルバイトをしながら続けていくなどの職業の選択の幅が広がった（非正規雇用の問題はあるにしても）からだろうか。
大学時代のつながりがあるとベースになるテクニックを共有していたり、長い時間をかけて作品作りを行えたりというメリットがあり、グループワークもつくりやすくなる。これまで日本のダンスはソロ・デュオが多かったけれど、最近グループ・カンパニーが増えているのもそのような流れではないかと感じている。
毎年NHKで番組が放送される。一見の価値あり。できれば神戸で決選をぜひ。あの独特の緊張感は他にないと思うので。
（大学のダンスのコンクールは他に富山で少人数作品のものが行われている。私が学生の頃はまだなかった。当時はアーティスティックムーブメントin Toyamaという名前で関東圏の大学５校を富山にご招待by いせ卵というイベントで、富山の一般のお宅にホームステイさせていただいたり、河原敷で踊るなどなかなかできない経験をした記憶がある。村おこしと、将来の嫁不足対策ときいたが、確かに今でも富山といせ卵には特別に思い入れがある。）

②Yokohama dance collection Solo Duo Competition
一応2003年の受賞者（横浜市芸術文化振興財団賞）で、一昨年受賞者公演を行わせていただいた。ちなみに今年赤煉瓦倉庫リニュアール１０周年記念ということで受賞者ショーケースが行われるが、それをみると確かにすごい顔ぶれだということに気がつく。
いろいろあって、ここで作品を発表することが多い。「Edge」（2003）、「箱女」（2004）、「OVO」（2007）、「かめりあ」（2010受賞者公演）。なのでここに育ててもらった意識がある。
その昔石川さん（当時館長）とお話したときに、アジアのショーケースとしての意味もあるのでいろんな種類の作品を選ぶようにしているという話しをしていたことを覚えいている。だから選ばれたからといって他より優れているということとも違う、と私は今でも思っている。
当時は応募した作品と上演する作品は異なっていてよかった。ここで選ばれなければEdgeは生まれなかった。これだけの大きな空間で踊るということはそれまでなかったし（ちなみに初めてつくった２０分の作品はSTスポット）、劇場リハーサルが70分（確か）とれる環境でつくることは今までなかった。70分のリハというのはあっという間だが、それまでの私が踊ってきた環境では作品時間の半分くらいの時間で場当たり、一回通して終わりとか、照明の確認はできないとか、舞台装置は使えないとかそういう状況だったので、舞台ってこんなこともできるんだ！という単純な驚きと喜びに出会ったのがダンコレだった。舞台とは総合芸術であるという言葉を実感したときだったと思う。
どのように水音が響くか。
聞こえるか聞こえないかわからない音とは。
光はどこから差し込んでくるか。
そういうわけで、もしあのときダンコレに参加していなかったら、踊りの作り方、発想の仕方から全く異なっていたと思う。なので、とても感謝している。
正直、これだけちゃんとできればいいものができないはずないと思った。逆に言えばそのはじめの一歩目をふむことができたこと、それはありがたいとしかいいようがない。少しでも多くの人に体験してみてほしいと思う。
今だと学校の授業の一環として学べるのかもしれないが、私はここで当たり前のことを知った。その後それぞれの劇場で試行錯誤しながら、スタッフさんと相談しながら、照明さんと実験しながら作品をつくり続けることになった。

2010年森下真樹さんとお話していたときに（かめりあは森下さんとカップリング公演）あのとき人生が変わったと話していた。それは私も同じで、上演場所が増えたり、海外に行くことになってしまったりした。踊っていてもいいのかもしれないと初めて思えた。その一歩を踏み出すきっかけをくれたのだから、コンクールやコンペを否定できない。

ただ選んでもらっていうのは変な話しだが、なぜこの作品が？というのは時々おこる。私の年も岡本さんのまばたきくぐりなど名作もたくさんあったのをしっている。賞をもらったからっていいわけではない。賞をもらうことよりもそれぞれの表現に磨きをかけ、ダイレクトに作品を売ることを考えろというのがダンコレがショーケース化しつつある理由だと思う。

ロンドンのThe placeにはResolution!という公募企画がある。
大学（あるいはダンス学校など）を卒業し、これからどうしようと思っている若者に劇場かすから面白いものをやってみろ！というもの。１ヶ月半くらいの間に一日３作品（各30分）100作品ほどを上演する。劇場リハは確か3時間。スタッフは死にそうだが、そこでできてしまった作品をいろんな企画に応募したりできるようになる。そこからのし上がっていくかどうかはそのグループ次第というわけだ。
私自身がResolution２回、spring loaded(プレイスの春フェス）、place prize, spring loadedで改訂再演という成長過程を経ていくことができたのはプレイスが学校に付随してある劇場であり、若手の育成に力を注ごうとかわっていった過程とも関係している。


おそらく、バニョレがかわっていったように、俗にいうコンクールやコンペも形態はかわっていくものと思う。そしてコンクールやコンペをとおらずどんどん活躍していく振付家が出てくるようになっていくべきだと思っている。コンクールの恩恵（？）を受けている身ではあるが、心からそう思う。